Cuando tengo que traducir mis conceptos en una superficie en blanco (siempre lo inicio en blanco), me siento más creador que en cualquier otra fase del proceso. En esos momentos se abre ante mí la posibilidad total de delimitar espacios en base a una preconcepción asumida de orden.

Posada ya esta primera lucha de fuerzas, los colores se van determinando y van ocupando espacios. En este proceso me siento puro transmisor de necesidades que se van creando en ese diálogo y que al final no es nada más que mi discurso, un discurso que se sirve sólo del mundo de las sensaciones.

Las razones preconcebidas no me sirven (nunca he considerado la Razón como canal creativo), los esquemas de actuación-resolución, bocetos, apuntes, notas y demás, no me dan la lectura que necesito: no se puede traducir la sensación de un metro cuadrado de rojo en un centímetro cuadrado de rojo. Siempre he hecho versiones y dibujos de un cuadro después de haberlo pintado y nunca antes, porque, cuando determinados objetivos están más cerca de una idea que de su traducción a través del mundo de las sensaciones en abstracto, se quedan sólo en eso: ideas.

Recuerdo a veces cuando un amigo te resume el guión de una película: sabes de qué va, pero no puedes percibir las emociones de las escenas, diálogos, música, silencios, etc. ¿Cómo se puede explicar una Misa de Mozart o un cuadro de 1 x 12 m de Jackson Pollock?, ¿cómo explicar una película de Andy Warhol donde sólo aparece un señor inmóvil durmiendo durante veinte minutos?

A mi modo de ver, la utilización en este caso concreto de la sensación en abstracto se usa en tal extremo que da un resultado mucho más cercano al neoplasticismo que nada. La idea final no existe, queda diluida en el tratamiento. Nos ofrece una sensación, aburrida o no, eso no importa. (No se le puede pedir a una flauta que suene como una trompeta.)

Hago hincapié en estas comparaciones para apoyar mi tesis sobre la necesidad de utilizar la sensación pura como canal de traducción de conceptos, sin la limitación de la simple idea.

En mi caso, para lograr que los objetos que integran mis escenas no deformen la lectura, utilizo formas simples culturalmente aprehendidas: una silla es una silla más o menos intemporal; un árbol no se sabe qué clase de árbol es, y una figura no se sabe quién es ni qué hace allí. Si la silla fuera una silla del modelo "tal", ese árbol fuera un chopo y la figura fuera la de M. Teresa Gallardo Fuencarral, tendría todo ello connotaciones que deformarían la lectura final. Por eso si algunos jardines son de Niza o de Sevilla, si mis manzanas parecen melocotones, no importa: sólo utilizo esa sensación para lograr lo que quiero en la obra.

 

Exposiciones Individuales :

1981

Galería del Cisne. Madrid.

Sala Pares. Barcelona.

1984

"Objetos de sobremesa". Sala Pares. Barcelona.

"Cuareo Murales". Centro Cultural de la Caixa de Pensions. Barcelona

1987

Sala Pares. Barcelona.

1988

Galería Biosca. Madrid.

1989

Sala Pares. Barcelona.

1990

Galería tenmaya. Hiroshima. Okayama.

Yokihama.Frankisch. Japón

1992

Galería Biosca. Madrid.

1993

Tecla Sala. L'Hospitalet. Barcelona.

1994

Sala Pares. Barcelona.

1995

Galería Era-Bauro. Andorra la Vella.

1998

Sala Pares. Barcelona.

2008

Galería Mª José Castelví. Barcelona.

Galería Mediterránia. Palma de Mallorca

2013 Galería Ignacio de Lassaletta. Barcelona

Exposiciones Colectivas :

1981

Sala Vayreda. Barcelona

Sala Pares. Barcelona.

Galería Bay-Sala. Bilbao.

"Spanish Art Tomorrow". Cocoran Gallery. Washington. EEUU.

Galería de Arte Moderno. Santo Domingo.

"Bronx Museum of Modern Art". Nueva York. EEUU.

"Los efectos de la luz en la pintura española en los siglos XIX-XX". Maison Osterrieth. Bruselas. Belgica.

1982

Galería del Cisne. Madrid.

"Spanish Art Tomorrow". Corpus Christi. Texas. EEUU.

1983

"Cocordancias en la pintura española actual". Museo Nacional de Bellas Artes. Río de Janeiro. Brasil.

1984

Sala Pares. Barcelona.

1986

"Pintura catalana Post-impresionista 1896-1986". Fundación Fortabat. Buenos Aires. Argentina.

Sala Pares. Barcelona.

Galería Deta. Palma de Mallorca

1987

"Art Meditarrenée". Palais des Rois de Majorque, Perpignan. Francia.

1988

The Salomon Gallery. Londres.

"Figuracions". Sala Pares. Barcelona.

1989

"Pintors Contemporanis". Galeria cinquecento. Barcelona.

1990

International Gallery Invitational. Chicago. EEUU.

Art Expo. Tokio. Japón.

Chirtie's Contemporany Art. Londres.

1991

Feria de Arte. Miami. Florida. EEUU.

Toho Art Corporation. Tokio. Japón.

"Art Miami 91". Miami. Florida. EEUU.

1992

Show Art. Miami. Florida. EEUU.

1993

Franconu Gallery. Tokio. Japón.

Feria de Arte. Chicago. EEUU.

1995

David Messum Gallery. Cork street. Londres.

1996

Galería del Cisne. Madrid.

2008

Feria de Arte Contemporáneo. Art Forum Berlin 2008. Berlin.

Bibliografía

Barcelona.

Edicions Castells. Barcelona 1980.

Concordancias con la pintura española actual.

Banco de Bilbao. Madrid 1982.

Enciclopèdia Vivent de la pintura i l`Escultura Catalanes. Darreries segle XX.

Vol. VII Ambit Serveis Editorials. Barcelona 1985.

Pintura catalana postimpresionista 1896-1986.

Fundación Alfredo Fortabat y Amalia Lacroce de Fortabat. Buenos Aires 1986.

Figuracions

Sala Pares. Barcelona 1998.

Mitsukoshi.

Num. 181. Japón 1992.

Friedel, Karola. Off Genü ein Kleines Lächein.

(Cuberta). Frauenforum. Herder.

Ortuño.

Toho Art Corporatión. Japón 1992.

Col.lecció Testimoni 93-94.

Caixa dÈstalvis i Pensions de Barcelona. Noviembre 1994.

Who`s Who in Spain.

Sutter`s International Red Series 1992

European Biographical.

Directory R.H. Nirynch. Brugge. Belgium 1996.